Spring 2017 Sol de Medianoche
Indra Arriaga and the colors of dissent |
Indra Arriaga y los colores de la disidencia |
 La lucha I / The wrestling I Carboncillo y óleo sobre madera / Oil, charcoal, and wood / 30” x 24” ©I. Arriaga
BY gabriela Olmos
Indra Arriaga was about to turn fifteen. Her parents had a restaurant in San Antonio, Texas, which was frequented by Fernando Herrera, a painter and bullfighter in his 60s. It was he who suggested: “You are intelligent. You’re going to get into a lot of trouble. Don’t you want to learn how to paint?” Indra painted her first work under his guidance. It was a landscape in acrylic. Herrera taught her the basic rules of perspective and shadow. And he shared one of the secrets that accompanied her from her early works: “Do not be afraid to waste.” Indra understood him to mean: do not skimp on exercises; repeat as many times as necessary a technical or conceptual challenge. Shortly thereafter Indra made her first oil. She was so fascinated by the process that she hardly returned to acrylics. Soon she stopped painting figurative pieces because at that time she thought that making abstract painting would be easier. “But it was more complicated than I thought,” she says. Indra showed her works for the first time while attending college. The exhibit was com- posed of landscapes inspired by her native Veracruz, in Mexico, and abstract works. There she sold her first painting for $60, which seemed a fortune to her as a student. Later, she found it difficult to show her work at galleries or cultural centers which she felt were governed by stereotypes: “I wasn’t Mexican enough for the places that showed Mexican art.” So she decided to travel to San Francisco. In that city she enjoyed a period of high creativity. For the first time she had a studio to work in. She showed her pieces in a number of collective exhibits and began to work in collaboration with Paula Pereira, a photographer who as a street artist used the pseudonym T.W. (Thirsty Wall). Indra and Paula along with some friends made banners with photographic transfers of celebrities from the LGBTQ world. They hung them around in a fenced-in vacant lot in the triangle formed by Market Street, 16th, and 18th streets. It was the first time Indra practiced public art, a genre she has returned to ever since. After the financial market collapse at the turn of the century, she made a piece in collaboration with actress Joan Bernier, showing the agony of a stockbroker. The portrayed figure closely resembled the popular image of Jesus Christ, making a natural analogy between them. “It took us like 24 hours to print posters with this image and paste them all over. We did this huge installation all over the city. We used the city as a canvas.” In 2001 Indra visited Alaska to celebrate Thanksgiving with her first wife, and fell under the spell of the Arctic: “It was the one and only time I had seen red northern lights covering the entire sky. And I thought: Oh, my God! It’s like this all the time.” She left San Francisco for Anchorage in 2003. In addition to the natural wonder, Indra found in this corner of the continent a resource that every artist needs: time. In the early 2000s, only a few Spanish names were known in the art scene: Mariano Gonzales, Alejandro Barragán, Marcelo Muñoz. Although the weather conditions in Anchorage are completely different from those of San Francisco, she did not stop practicing public art in the northern city. One of her best known works is in Mountain View. Produced in collaboration with Christina Barber, this sculpture addresses the issue of immigration. We’ve come from so far depicts three concrete characters. They are immigrants carrying ropes on the lower part of their bodies to symbolize social ties with the places they came from and also with those they have come to. Like Joseph Beuys and other well-known artists who have sought to transform life itself into an artistic experience, Indra takes the aesthetic challenge beyond her personal pieces. For example, she worked for 13 years to organize one of the most emblematic festivities of the Mexican community in Anchorage: the Day of the Dead. Those who know Indra know that she feels the need to raise her voice whenever she does not agree with the state of affairs. “I’m more likely to do something if I’m angry than if I’m not. With the Day of the Dead we were looking for a place to celebrate it the third year. I went to a gallery and asked if we could do it. I told them that there will be a lot of kids, that it will be chaotic, but that it doesn’t matter. They told me: ‘No, that doesn’t work with our space.’ But then a week later they came out with an event called Come party with the dead, 20 dollars a head. I said them: ‘You cannot do that. It is not OK with the community.’” Then Indra wrote to the board of directors for this place and told the story in a newspaper. When they realized what was happening the members of the Latino community came out to defend their celebration. “And that’s how I got in touch with the community.” It was also an outburst of nonconformity that led her in 2004 to another of her most significant projects: the Spot Gallery, in the shopping center on D Street and 4th Avenue, once known as the Post Office Mall. The gallery operated for ten months. Indra and her then wife Caitlin Shortell decided to open it when a cafe refused to exhibit Indra’s work. They walked through the old mall, noticed an empty space, and decided to open their gallery in it. “I came in at a time that the community was really thirsty for things like that,” says Indra, and in their gallery they held the celebration of the Day of the Dead, as well as exhibits of Indra’s paintings and the work of artists with whom she had collaborated in San Francisco. Thanks to this space, local artists got to know some artists from abroad, and vice versa. On the experience of being a Hispanic artist and part of a minority in the United States, Indra says that sometimes people she love have wanted to persuade her to be content with the disadvantages. But she knows she could not and would not want to. “Racism is something that I experience every day. And it’s not OK,” says Indra and a glitter shows in her eyes. Apparently it is saying that she will defend the right of everyone to be treated as equals, either by wielding a brush or by developing some creative community project, because she knows well that art and its world are the natural spaces to express dissent. |
 Island Shower Óleo sobre tela / Oil on canvas ©I. Arriaga
Indra Arriaga estaba por cumplir quince años. Sus papás tenían un restaurante en San Antonio, Texas, que era frecuentado por Fernando Herrera, pintor y torero de alrededor de 60 años. Fue él quien le sugirió: “Eres inteligente. Te vas a meter en muchos problemas. ¿No quieres aprender a pintar?”
Indra pintó su primera obra guiada por él. Era un paisaje en acrílico. Fue él quien le enseñó las reglas básicas de la perspectiva y de las sombras. Y le compartió uno de los secretos que la ha acompañado desde sus obras tempranas: “no tengas miedo de desperdiciar”. Indra comprendió que la impulsaba a no escatimar en ejercicios, a repetir cuantas veces fuera necesario un desafío técnico o conceptual. Poco tiempo después Indra pintó su primer óleo. Se sintió tan fascinada que casi no volvió al acrílico. Muy pronto dejó de pintar piezas gurativas porque en ese momento pensó que hacer pintura abstracta sería más sencillo. “Pero era más complicado de lo que pensaba”, asegura la pintora. Montó su primera exposición cuando asistía a la universidad. Estaba compuesta por paisajes inspirados en su natal Veracruz, en México, y obras abstractas. Ahí vendió su primera pintura por 60 dólares, que parecía una fortuna para la estudiante que era. Después le fue difícil exhibir en galerías y centros culturales, pues los sentía gobernados por muchos estereotipos: “mi trabajo no se veía lo suficientemente mexicano para exponer en los sitios dedicados al arte mexicano”. Así que decidió viajar a San Francisco. En aquella ciudad logró un alto vuelo creativo. Por primera vez tuvo un estudio donde trabajar. En aquel periodo expuso en un buen número de muestras colectivas y comenzó a hacer trabajo en colaboración con la fotógrafa Paula Pereira, quien como artista callejera usaba el pseudónimo de T.W. (Thirsty Wall). Ambas, junto con un grupo de amigas, hicieron banderas con transferencias fotográficas de personajes relevantes del mundo LGBTQ, y las colgaron en la reja de un lote baldío en el triángulo formado por la calle Market y las calles 16 y 18. Era la primera vez que Indra practicaba arte público, un género al que ha vuelto una y otra vez. Al cambio de siglo, cuando la caída de los mercados financieros, realizó una pieza en colaboración con la actriz Joan Bernier en la que un corredor de bolsa agonizaba. El retrato de este hombre se parecía mucho al Jesucristo de la cultura popular, así que establecieron una analogía entre ambos. “Nos tomó como 24 horas imprimir carteles con esta imagen y los pegamos por todos lados. Hicimos una gran instalación por toda la ciudad. Usábamos la ciudad como lienzo”. En el 2001 Indra visitó Alaska con su primera esposa para festejar Thanksgiving y quedó hechizada: “fue la primera y única vez que he visto auroras boreales rojas. Pensé que así era todo el tiempo”. Dejó San Francisco para mudarse a Anchorage en 2003 y además de la maravilla natural, Indra encontró en este rincón del continente un recurso que todo artista necesita: tiempo. Por aquel entonces resonaban en la escena del arte pocos nombres hispanos: Mariano Gonzales, Alejandro Barragán, Marcelo Muñoz. Aunque las condiciones de Anchorage son completamente distintas a las que vivía en San Francisco, no dejó de practicar el arte público en esta ciudad septentrional. Una de sus piezas más conocidas se encuentra en Mountain View. Realizada en colaboración con Christina Barber, esta escultura aborda el tema de la inmigración. We’ve come from so far representa a tres personajes de concreto. Son inmigrantes que llevan cuerdas en la parte baja de su cuerpo para significar los lazos sociales con sus comunidades de origen, pero también con las que los reciben. Como Joseph Beuys y otros autores que han buscado transformar la vida misma en una experiencia artística, Indra lleva el desafío estético más allá de sus piezas personales. Y así, por ejemplo, se ocupó durante 13 años, de organizar una de las festividades más emblemáticas de la comunidad mexicana en Anchorage: el Día de Muertos. Quienes conocen a Indra saben que ella siente la necesidad de levantar la voz siempre que no está de acuerdo con el estado de las cosas. “Es más probable que haga algo cuando siento rabia que cuando no la siento. Con el Día de Muertos sucedió que no teníamos dónde celebrarlo en su tercer año. Así que se lo propuse a una galería. Les dije que habría muchos niños y que sería un poco caótico, pero que no importaba. Ellos me dijeron: ‘Creo que esto no funcionará en nuestro espacio’, y una semana después lanzaron el evento Come party with the dead por el que cobraban veinte dólares por persona. Les expliqué que eso no era lo correcto”. Luego Indra escribió a los miembros de la mesa directiva de este sitio y contó la historia en el periódico. Entonces los miembros de la comunidad latina salieron a defender lo suyo. “Y así fue como entré en contacto con muchos de ellos”. Fue también un arrebato de inconformidad el que la llevó, en 2004, a otros de sus proyectos más significativos: la Galería Spot, en el centro comercial conocido como el Post Office Mall en la calle D y la Avenida 4. La galería operó por 10 meses. Indra y Caitlin Shortell, su entonces esposa, decidieron abrir este sitio cuando en un café se negaron a exhibir la obra de Indra. Tras dejar el sitio, ambas recorrían el viejo centro comercial y decidieron rentar el sitio para abrir su propia galería. “La comunidad estaba muy sedienta de un espacio como éste”, señala Indra. Ahí se realizó la primera celebración del Día de Muertos, además de exposiciones de obra suya y de artistas con los que había colaborado en San Francisco. Así, el espacio se convirtió en un sitio para que los artistas locales se nutrieran del arte producido fuera del estado y viceversa. Sobre la experiencia de ser una artista hispana y parte de una minoría en los Estados Unidos, Indra dice que en ocasiones algunos seres queridos la han querido persuadir de contentarse con las desventajas. Pero ella sabe que no podría ni querría hacerlo. “El racismo es algo que yo vivo cada día. Y no está bien”, asegura Indra y un brillo se asoma en su mirada. Parece asegurar que defenderá el derecho de todos a ser tratados como iguales, ya sea empuñando un pincel o desarrollando algún proyecto creativo comunitario, porque ella sabe bien que el arte y su mundo son los espacios naturales para expresar la disidencia. |
